Teatro - Teatro Ca' Foscari

Laboratorio online 
ideato e condotto da Teatrino Giullare

Percorso laboratoriale in cui i partecipanti saranno guidati nell’esplorazione delle creature fantastiche e mitologiche che popolano l’Inferno di Dante, a partire da un breve excursus sulla zoologia fantastica dall’antichità fino a Jorge Luis Borges e al suo Manuale di zoologia fantastica.

Il laboratorio

Una folta schiera di mostruose figure, che svolgono la funzione di guardiani e di aguzzini dei dannati, caratterizza l’Inferno dantesco.  Centauri, Arpie, il Minotauro, Caronte, Minosse, Cerbero, Gerione, Pluto, Flegias sono creature fantastiche che provengono dalla mitologia classica e pagana ed entrano nei gironi immaginati dal grande poeta.
La cultura medievale aveva un enorme interesse per il mondo animale e più in generale per la natura. Tale attenzione si realizzava soprattutto nella prospettiva dell’interpretazione allegorica e simbolica di ogni aspetto della realtà. La natura è considerata un insieme di segni e ciò vale soprattutto per le pietre, le piante ed in particolare per gli animali che, reali o fantastici, entrano in quelle straordinarie compilazioni zoologiche e poetiche che erano i bestiari.
Dante Alighieri aveva a disposizione un thesaurus ampio e diversificato di animali biblici, simbolici, allegorici, moralizzati, esemplari, scientifici, poetici che popolavano l'immaginario a tal punto da entrare nel suo capolavoro.
Ma questi esseri immaginari, che hanno avuto un prodigioso percorso letterario dall'antichità al Novecento  nel continuo interscambio tra natura e cultura, filosofia, fantasia e leggende, hanno anche una straordinaria valenza teatrale.
In queste creature cerchiamo infatti indicazioni di ordine morale, simboli di verità più profonde: qual è la natura della nostra esistenza? Perché siamo diversi da altri esseri? Quale realtà pongo al centro, quale sguardo visionario essa merita?

Argomenti:

• La zoologia fantastica dall'antichità a J. L. Borges
• Gli esseri immaginari della Divina Commedia
• Esercizi di indagine sul valore della parola: questioni di interpretazione
• Esercizi di teatralità: perché guardiamo gli animali?
• Esercizi di espressività e immaginazioni di messa in scena 

Teatrino Giullare

Fondato e diretto da Giulia Dall’Ongaro ed Enrico Deotti, ha come costante della propria ricerca teatrale l'idea di attore artificiale, di esplorazione dell’espressività tramite il limite fisico ed una originalità che l’ha portato, dal 1995 ad oggi, a realizzare allestimenti teatrali, mostre e laboratori in tutta Italia e in molti paesi del mondo (Europa, Usa, Canada, Argentina, Uruguay, Colombia, Venezuela, Guatemala, Etiopia, Kenia, Russia, Turchia, Pakistan, India, Iran, Israele, Marocco, Egitto...).
La Compagnia debutta nel 1995 al Corso di Drammaturgia di Giuliano Scabia al Dams, Università di Bologna, con Alcesti di Euripide, seguono lavori su Aristofane (1996), Plauto (1997), la Commedia dell’Arte (1998), Shakespeare (2002), Beckett (2005), Bernhard (2006), Koltès (2008 e 2009), Pinter (2010), Scabia (2013), Jelinek (2014), Shakespeare (2016).
Tra i vari riconoscimenti ricevuti il Premio Nazionale della Critica (2006); il Premio Speciale Ubu 2006; il Premio Speciale della Giuria e Premio Brave New World per la regia al 47^ Festival Internazionale di Teatro MESS di Sarajevo (2007); il Premio Hystrio 2011; l’Excellent Play Award della Central Academy of Drama di Pechino (2019); il Premio Rete Critica (2020).

Laboratorio online di performance
ideato e condotto da Ivan V. Talijancic
co-fondatore di WaxFactory (USA) e direttore artistico di Contemporary Performance Practices (Croazia)

Laboratorio condotto in italiano.

Il laboratorio

Il laboratorio, condotto dall’artista croato-americano Ivan Talijancic, darà l'opportunità di conoscere forme innovative di narrazione performativa sperimentate nel corso della storia ventennale della compagnia WaxFactory (New York).
Il laboratorio si articola in quattro incontri durante i quali verrà presentata l’attività di WaxFactory caratterizzata da lavori site-specific, dall’uso delle tecnologie e del video e da forme di teatro immersivo.
In particolare, verrà presentato e discusso il processo creativo in corso per lo sviluppo del progetto intitolato Traces previsto per il 2022 e ispirato alle pratiche artistiche di Sophie Calle e Janet Cardiff.
Ivan Talijancic realizzerà per questo laboratorio una versione site specific del format di Traces per le calli di Venezia, salvo eventuali restrizioni dovute all’emergenza sanitaria, mentre i partecipanti, collegati da remoto, interagiranno online e verranno successivamente guidati nella realizzazione in prima persona di un lavoro in video e interattivo. La presentazione dei lavori realizzati e la discussione dei risultati ottenuti concluderà questo percorso pratico-teorico.

Ivan Talijancic

è regista, insegnante, performer, produttore culturale e direttore artistico di Contemporary Performance Practices. Il suo lavoro si pone all'intersezione tra performance, teatro, danza, musica, film, video, installazione/arte visiva, nuovi media. È co-direttore artistico del gruppo artistico multidisciplinare WaxFactory (New York), che ha fondato insieme a Erika Latta nel 1998. I suoi lavori sono stati presentati all'ICA/Institute of Contemporary Arts (Londra), Centre Pompidou (Parigi), Gulbenkian Museum (Lisbona), SommerSzene (Salisburgo, Austria), Zürcher Theater Spektakel (Zurigo, Svizzera), FIT/Festival Internacional de Teatro (Caracas, Venezuela), MES Festival (Sarajevo, Bosnia) e Cankarjev Dom (Ljubljana, Slovenia). Ha tenuto corsi e workshop per New York University-Playwrights Horizons Theater School / Devised Theater Program; Columbia University / Barnard College; Princeton University; Brown University; Filmakademie Baden-Württemberg. È stato artista in residenza presso l’Akademie Schloss Solitude (Stoccarda, Germania), la Fondazione Bogliasco (Genova, Italia), l'Hermitage Artist Retreat (Florida, USA) e la Fondazione Emily Harvey (Venezia, Italia). È membro del comitato di selezione di The Bessies - il New York Dance & Performance Awards e scrive per varie testate tra cui BOMB Magazine, Brooklyn Rail, Bachtrack London, HowlRound.

Siamo giunti alla conclusione del progetto La città deserta, omaggio teatrale alle poetesse russe Anna Achmatova, Marina Cvetaeva e Lidija Čukovskaja.
Il progetto, ideato e curato Da Silvia Piovan, si è sviluppato attraverso i due laboratori di drammaturgia Mosca-Parigi-Mosca, che hanno coinvolto un gruppo di studenti di Ca’ Foscari. I due laboratori sono stati organizzati dal Teatro Ca’ Foscari con l’intento di accompagnare gli studenti in un percorso di formazione a distanza nel periodo del lockdown.
Il lavoro, che Silvia Piovan ha affrontato con gli studenti durante i due laboratori, è stato la base per il successivo breve periodo di prove a porte chiuse. L’attrice e autrice - con il supporto del regista Gaudi Tione Fanelli, del fonico Roberto Barcaro, del filmaker Samuele Cherubini, del fotografo Giovanni Tomassetti - ha lavorato all’allestimento scenico finalizzato a un video teatrale, reso pubblico sul canale youcafoscari, in prima il 23 marzo 2021 e a seguire nei giorni 24 e 25 marzo.

Silvia Piovan descrive così il percorso del progetto:

«Ci siamo resi conto che i numerosi materiali prodotti (monologhi, performance e immagini) erano densi di contenuti e suggestioni. Abbiamo dato loro forma arrivando al copione teatrale "La città deserta". Non essendoci le condizioni per realizzare lo spettacolo dal vivo, ci siamo concessi il tempo di sperimentare. Siamo voluti tornare alle fondamenta: il corpo, la parola, l'oggetto, il luogo. Abbiamo cercato una via per far dialogare la forma teatrale e la performance – che si fondano sul lavoro d'attore – con il linguaggio proprio della visual art e del cinema.

Una domanda tuttavia ci attanagliava, abituati al lavoro “corpo a corpo”: È comunque possibile risvegliare al di là dello schermo qualcosa di profondo nello spettatore, attivandone il sistema nervoso, destandone quelle energie che gli permettono di stabilire un dialogo con sé stesso?

Il Teatro Ca' Foscari si è così trasformato, in tre giorni densissimi, in una vera e propria officina dell'arte. Il teatro, come ogni volta, si conferma opera collettiva dove competenze complementari, attraverso l'intreccio e la fusione di linguaggi differenti, cercano di condensarsi in una forma unitaria. Abbiamo cercato di vedere i luoghi del teatro con occhi nuovi. Senza la possibilità di un pubblico presente, abbiamo comunque cercato di prendere per mano lo spettatore, solo nella propria stanza, portandolo a spasso dalla platea al palco, passando per i camerini fin sopra alla graticcia, dove uno spettatore non potrà mai arrivare.
Quello che si vedrà è la storia di una donna (sintesi espressiva delle tre poetesse) e della sua capacità di trovare la forza di sopravvivere nonostante le continue ingiustizie subite, in una società fortemente dispotica.

Con l'augurio di tornare ad abitare assieme le nostre città, i nostri quartieri, tutti i luoghi di cultura e i teatri, non ci resta che continuare a lavorare e coltivare la bellezza, facendoci trovare pronti quando potremo nuovamente condividere momenti fisici di relazione, socialità e confronto».